미국 오르프 협회 계간지인 ‘The Orff Echo 2024년 winter ’호의 주제는 ‘기쁨 (Joy)’에 초점이 맞춰져 있습니다. 우리가 어떤 방식으로든 경험하는 기쁨이 정서적 건강뿐만 아니라 생리적 건강에도 도움이 된다는 사실을 여러 연구를 통해 소개하고 있는데 특히, 현장에서 경험하고, 느끼고, 재현할 수 있는 기쁨을 발견하고 인식하는 방법이 아주 흥미롭습니다. 저는 여러 글 중에서 Marjie Van Gunten의 글 ‘기쁨을 향한 여정’을 소개하고자 합니다. 마지 선생님은 이 글에서 자신의 커리어를 통해 자신과 자신이 가르친 학생들에게 기쁨을 가져다준 중요한 교훈을 자세히 설명하고 있는데, 오랫동안 현장에서의 경험을 녹여서 쓴 글이라 더욱 더 감동적이고 공감이 많이 되는 글이라고 생각합니다. 이 글을 통해 이곳을 방문하신 여러분들 또한 잠시 자신의 여정을 돌아볼 수 있는 시간을 갖게 되길 희망합니다.

기쁨을 향한 여정: 오르프 슐베르크 교사의 성찰 (Journey to Joy: Reflections of an Orff Schulwerk Teacher) / 글쓴이: 마지 반 건튼 (Marjie Van Gunten)

초록

이 글에서 저자는 독자들이 오르프 슐베르크 교사가 되는 과정에서 자신의 개인적인 여정을 되돌아볼 것을 권합니다. 여러분은 어디쯤 와 있나요? 어디까지 왔나요? 무엇을 배웠나요? 무엇을 배우고 싶으신가요? 가장 기뻤던 순간은 언제였나요? 그리고 그 과정에 어떻게 더 많은 마법을 불어넣을 수 있을까요?

활짝 웃으며 반 친구들을 지휘하는 동안에 작곡가가 될 수 있다는 사실을 깨달은 유치원생 소년의 모습을 상상해 보세요.

나무악기 그룹에 싸인을 주면서 시작하다가 금속악기 쪽에 신호를 보낸 다음, 흔드는 악기를 추가하면서 볼륨을 가장 부드러운 수준까지 올렸다가 다시 낮추고 전체 오케스트라 앙상블을 코다로 마무리합니다.

또는 소수의 중학생들이 모여 하이쿠의 각 행을 가장 잘 표현하는 제스처를 결정하기 위해 함께 모여 있다고 상상해 보세요. 제스처가 악보가 되고, 영감을 준 텍스트만큼이나 예술적으로 여유로운 최종 하이쿠 작곡이 완성되면 학생들이 마지막 포즈를 취하고 소리의 진동이 사라지는 마법 같은 순간에 더 큰 미소를 짓게 됩니다.

제 강의 경력에서 이런 마법 같은 순간이 흔하지 않았던 때가 있었습니다. 제 수업 계획은 그런 경이로움이 일어나도록 허용하지 않았습니다. 결과를 예측할 수 있는 치밀하게 짜여진 계획을 내려놓고, 결코 예측할 수 없는 학생 주도적 창의성의 문을 여는 법을 배우는 것은 기쁨으로 가는 여정이었습니다.

개인적인 여정의 시작

저는 1968년 대학 룸메이트가 Orff Schulwerk 워크숍에 참석하고 전염성 있는 열정으로 가득 차 돌아왔을 때 Orff Schulwerk를 처음 접했습니다. 그녀는 아이들이 악보를 읽기 훨씬 전에 음악을 만들 수 있는 재미있는 경험을 설명했습니다. 저에게는 완전히 새로운 아이디어였습니다.

대학원 1년 동안 이 주제에 대해 찾을 수 있는 모든 자료를 읽었지만, 미국 슐베르크 초창기에는 대학 도서관에서 찾을 수 있는 자료가 많지 않았습니다.

저는 지역 AOSA 지부 워크숍에 참석하면서 슐베르크에 대해 더 깊이 알아갈 수 있었습니다. 그곳에서 음악과 움직임의 결합은 음악원 음악 교육 모델에서 연습실에서 몇 시간 동안 익히지 못했던 음악의 표현적 특성을 제 운동 감각에 소개해 주었습니다. 신체 타악기는 제 리듬 감각을 일깨워주었습니다. 즉흥연주는 새로운 언어를 탐구하는 과정이었죠.

오르프 슐베르크에 처음 입문한 다른 사람들과 마찬가지로 저도 AOSA 교사 교육 레벨 과정을 시작할 기회가 생겼을 때 레벨 1이 마음을 확장시키는 것을 느꼈습니다. 룸메이트가 말해주던 즐거운 음악 만들기를 드디어 경험하게 되었죠. 다른 사람이 만든 음악을 연주하는 것이 아니라 창작 과정에 참여한다는 것은 혁신적이면서도 예술적으로 만족스러운 경험이었습니다. 오르프 슐베르크의 유쾌한 면모를 경험하면서 제가 좋아하는 콘텐츠를 아이들이 좋아하는 방식으로 가르칠 수 있는 방법이라는 것을 분명히 깨달았습니다.

슐베르크에 대한 저의 이해는 세 번의 AOSA 교사 교육을 모두 이수하면서 더욱 넓어졌습니다. 마스터 클래스도 있었지만 배울 것이 훨씬 더 많았어요. 음악 교육에서 무용과 창작 움직임은 기술 숙달, 이론, 음악사보다 우선순위에 밀려 있었어요. 무용 마스터 선생님과의 기회 작업은 많은 공백을 메웠지만 몇 년간의 시행착오를 거쳐 아이들과 함께 창의적인 움직임 탐색을 촉진하는 데 자신감을 갖게 되었습니다. 이 과정에서 얻은 개인적인 성장과 음악적 재능은 음악과 삶에서 기쁨을 찾을 수 있는 새로운 길을 계속 열어주는 선물이 되고 있습니다.

아이들과 함께 일하기

언어 리듬 놀이에 대한 열정으로 가득 찬 아이들과 슐베르크의 마법을 처음 시도하면서 저는 이전에 가르치는 것에 대해 알고 있던 많은 것을 잊어버렸습니다. 교사가 잊어버리면 리듬을 이용한 놀이 탐구는 불가능합니다. 학생들의 사전 기술과 지식을 이해하는 것부터 시작해야 합니다. 아이들은 이전 경험을 통해 배운 것을 바탕으로 의미를 구성합니다(피아제, 1972). 이 경험 많은 교사는 아이들이 무엇을 알고 있는지, 또는 모르는지 고려하지 않았을 뿐만 아니라, 오르프 슐베르크 수업에서 움직임의 역할에 대해 레벨 1에서 배운 내용을 잊어버렸습니다. 이 학생들은 박자에 맞춰 움직이기 위해 의자에서 일어나본 적이 없었습니다. 이 경험은 원초적인 음악과 움직임이 교실로 옮기는 것보다 레벨 과정에서 경험하는 것이 더 쉽다는 첫 번째 단서였습니다. 오르프 슐베르크 교사가 되기 위해서는 속도를 늦춰야 했습니다.

이제 제가 아이들로 가득 찬 교실에서 성장하는 오르프 슐베르크 교사가 된 모습을 상상해 보세요. 아이들은 노래하고, 춤추고, 손뼉치고, 발구르고, 무릎치기도 하고, 악기도 연주하면서 제가 레벨 코스에서 배운 대부분의 것을 합니다. 박에 대한 기본 개념이 확실해지면 리듬 개념을 가르치기 위해 말하기가 어떻게 작동하는지 상상해 보세요. 창의적인 움직임을 귀중한 교육 도구로 사용하는 저의 자신감을 상상해 보세요. 아이들이 신체악기 연주에서 건반악기연주까지 넘나들면서 모두가 즐거운 시간을 보내고 있습니다. 아이들도 배우고 저도 아이들과 함께, 그리고 아이들로부터 많은 것을 배웁니다.

재미있긴 했지만 돌이켜보면 저는 여전히 수영장에 반만 담그고 있었던 것 같습니다. 아이들이 스스로 작곡가가 되도록 격려하는 법을 아직 배우지 못했으니까요. 다음 여정에서는 내려놓고 신뢰하는 것이 필요했습니다. 무엇보다도 아이들의 아이디어를 포용하고 아이들이 스스로 만들어가는 미적 여정을 지원하기 위해서는 제 자신에 대한 신뢰가 필요했습니다. 슐베르크로 성장하기 시작하면서 개방형 수업에 어려움을 겪는 교사는 자신이 학생들을 실패시키고 있다고 생각해서는 안 됩니다. 이 과정에는 시간과 성찰이 필요합니다. 그 과정의 각 단계, 어쩌면 몇 번의 멈춤도 중요한 교훈이 될 수 있습니다. 무엇이 효과적일까요? 왜? 무엇이 효과가 없나요? 왜 그럴까요? 어떻게 하면 더 잘 작동할 수 있을까요? 왜?

여정에서 성장하기

오르프 슐베르크 교사로서 우리의 성장은 음악과 움직임의 요소로 창의적인 놀이에 아이들을 초대할 때 우리가 아이들에게 요구하는 것과 유사합니다. 아이들의 창의적 탐구에 ‘정답’이 없는 것과 마찬가지로, 아이들이 직접 음악이나 움직임을 만들도록 유도하는 수업에도 명확하게 정의된 결과는 없습니다. 처음에 기대를 버리는 것은 마치 높은 다이빙을 예상하는 것처럼 느껴졌습니다: 저는 준비하고, 무엇을 해야 하는지 알고, 그냥 뛰어들었습니다. 아이들이 자신의 예술적 여정을 따라갈 수 있도록 신뢰하는 것은 저와 학생들에게 더 깊은 기쁨으로 뛰어드는 일이었습니다. 오스카 와일드의 말을 빌리자면, “불안은 견딜 수 없다. 다만 그것이 영원히 지속되기를 바랄 뿐이다.”

작곡과 즉흥 연주를 수업에 더 많이 허용할수록 아이들의 참여를 유도하는 것이 더 쉬워졌습니다. 개방형 질문을 던지는 기술을 연습하는 것은 이러한 성장의 필수적인 부분이었습니다. 의도적인 출발점이 있는 수업을 계획하는 것이 자유로워졌고, 교사의 역할은 아이들의 창의적 탐구에 사용할 수 있는 기술과 지식으로 아이들의 ‘음악 배낭’을 채워주는 것이 되었습니다. 이러한 기술 중 일부는 교사가 지도하는 활동을 통해 습득할 수 있었고, 더 많은 기술은 아이들이 아이디어를 가지고 놀면서 발견한 것을 통해 성장했습니다. “내가 가르치기도 전에 그걸 발견한 너희들이 얼마나 기발한지”라는 대사는 아이들의 얼굴에 항상 미소를 머금게 했습니다.

아이들을 창의적인 과정에 초대하면 교사는 아무리 교묘하게 짜여진 수업 계획으로도 한계에 부딪힐 때가 많습니다. 사실 오르프 슐베르크 수업 계획을 작성하는 가장 좋은 방법은 사후에 경험을 해체하는 것일 수 있습니다. 여기에 오르프 슐베르크 환경에서의 교실 관리가 종종 통제와 혼돈 사이의 미세한 경계에 있다는 현실을 더하면 우리가 하려는 일의 복잡성을 이해하기 시작합니다. 오르프 슐베르크 교사는 기적의 일꾼입니다!

아이들이 운동장을 뛰어다니며 미소를 지으며 다가올 음악 수업에 대한 기대감으로 저를 맞이하던 모습이 기억납니다. 아이들이 저를 보고 느낀 기쁨은 저에 대한 기쁨이 전혀 아니었다고 확신합니다. 그것은 그들이 음악실에서 하는 일과의 연결, 즉 그들의 내면 깊은 곳에서 느끼는 연결이었습니다. “원초적인 음악, 말과 움직임, 놀이, 정신의 힘을 일깨우고 발전시키는 모든 것, 이것이 바로 정신의 ‘부식질’, 즉 우리가 영적 침식의 위험에 직면하는 부식질입니다.”(Orff, 1963, Salmon, 2012, 가치 섹션, 1항에서 인용).

제 교실에서 아이들을 관찰한 후 한 동료가 “당신은 선교사입니다.”라고 말했습니다. 이 전직 수녀는 자신이 특정 종교에 대해 말한 것이 아님을 분명히 했습니다. 그보다는 아이들이 창의적인 놀이를 하면서 영적인 자아와 연결되는 것을 지켜보고 있었다고 설명했습니다. 그 연결은 아이들에게 기쁨을 가져다주었고 아이들은 그것을 향해 달려가는 것을 멈출 수 없었습니다. 제 친구는 이 땅을 떠난 지 오래지만, 그녀의 지혜는 그날 이후 제 작업에 그대로 이식되었습니다.

가르치면서 배운 교훈

아이들은 필요할 때 배웁니다.

제가 교직 생활을 시작했을 때 한 현명한 선생님으로부터 아이들은 교사가 원할 때 배우는 것이 아니라 무언가를 알아야 할 필요가 있을 때 배운다는 인상을 받았습니다. 이는 제가 아이들의 요구에 귀 기울이는 법을 배웠기 때문에 오르프 슐베르크의 여정과 매우 잘 맞았습니다. 아이들에게 음악가로서 성장하는 데 도움이 되는 콘텐츠에 대한 호기심을 불어넣을 수 있는 창의적인 방법을 찾는 것을 배웠기 때문입니다.

오르프 슐베르크는 맥락 속에서 일어납니다.

교실, 커뮤니티, 시사 문제, 그리고 가장 중요한 것은 아이들이 각 수업에 영향을 미칩니다. 교실의 다양성을 존중하세요. 공평성, 포용성, 접근성을 수업에 도입하세요.

오르프 슐베르크의 교사들은 다양한 기술의 대가들입니다.

음악 콘텐츠와 기본적인 교수 기술은 시작에 불과합니다. 우리는 각 어린이에게서 예술가를 찾는 법을 배웁니다. 움직임과 춤의 숙달, 아이들의 아름다운 노래를 육성하는 능력, 작곡과 즉흥 연주, 이론적인 음악적 측면을 모든 연령층에게 재미있는 방식으로 전달하는 방법 등을 위해 노력합니다.

설계된 구조가 중요합니다… 하지만 그것이 중요하지 않을 때도 있습니다.

사려 깊은 계획은 아이들의 창의적인 작업을 위한 발판이 됩니다. 수업에서 교사의 지도 아래 진행되는 부분을 멈추고 학생들에게 결과물을 맡기는 시점을 알아내는 것은 중요합니다. 학생들의 발견과 학습을 장려하고 지원하는 질문은 학생들의 성공의 열쇠입니다. 잘 설계된 계획에 질문을 포함하되 필요에 따라 새로운 질문을 즉흥적으로 만들어서 학생들이 경험을 더 깊게 하고 더 많은 즐거움을 찾을 수 있도록 준비하세요.

시간이 가장 중요합니다.

현실적으로 대부분의 음악 교사에게 주어진 시간은 30~40분 정도이며, 이 짧은 수업은 일주일에 한 번만 진행되는 경우가 많습니다. 따라서 교사는 아이들이 다음 단계의 탐구와 놀이에 대비할 수 있도록 준비시키는 데 집중해야 합니다. 창작 과정에는 그 소중한 시간이 허락하는 것보다 더 많은 시간이 걸리며, 학생들은 작업을 계속하더라도 성취감을 느끼며 각 수업을 끝내야 합니다.

우리는 아이들을 가르칩니다.

음악과 움직임은 학습을 위한 수단입니다. 콘텐츠에서 아이들을 놓쳐서는 안 됩니다.

마일스 데이비스가 옳았습니다: “실수를 두려워하지 마십시오. 실수는 없으니까요.”

학생들은 쇼를 하러 가는 것이 아닙니다. 그들은 오직 그 순간에 발견할 것을 위해 가는 것입니다.

다른 사람들로부터 배우세요.

미국 오르프 슐베르크 협회는 지역 지부 워크숍과 연례 컨퍼런스에서 자신의 기술과 지식을 공유하는 훌륭한 마스터 교사들의 훌륭한 원천입니다. 그들로부터 배우되, 발표자는 참가자와는 다른 오르프 슐베르크 여정에 있다는 점을 명심하세요. 여러분과 학생들에게 적합한 방식으로 콘텐츠를 활용하세요.

오르프 슐베르크 교사가 되는 것은 일생일대의 행운입니다!

보람 있고 힘든 직업입니다. 우리는 매일, 때로는 매시간(또는 30분마다) 새로운 것을 배우게 됩니다. 이 여정의 매 순간을 즐기세요. 그 길에는 많은 기쁨이 기다리고 있습니다!

결론

이제 교단에서 물러나 사색할 수 있는 여유를 갖게 되었습니다. 저는 모든 수업, 특히 당시에는 실패처럼 느껴졌던 수업들을 소중한 가르침의 순간으로 기억합니다. 이러한 경험에서 얻은 기쁨은 그 과정을 신뢰하는 법을 배우면서 기하급수적으로 커졌습니다.

오늘날 제가 음악과 움직임을 가르치는 것에 대해 알고 있는 대부분의 지식은 최고의 스승이었던 멋진 아이들과 실패한 수업의 겸허한 경험에서 비롯된 것입니다. 이 여정에서 이런 경험들을 배제했다면 큰 실수인 것이고, 아이들이 함께 마법을 만들어내는 동안 교실에 있는 것만으로도 고양감과 기쁨을 느끼고 영혼의 힘을 일깨우고 발전시키는 성장을 방해했을 것입니다.

글쓴이: 마지 반 건튼 (Marjie Van Gunten)은 유아부터 대학생까지 음악을 가르치다 은퇴했으며, 현재 AOSA 커뮤니케이션 디렉터로 활동하고 있습니다. 또한 <Reverberations: 교사가 교사를 가르치다>의 편집자이기도 하며, 오르프 에코 편집위원회에서 활동했습니다. Marjie는 워크숍 발표자이며 캘리포니아 아트 프로젝트에서 교사 멘토로 활동했습니다. 그녀의 학력에는 음악 학사와 석사 학위 그리고 AOSA 교사 교육 포스트 레벨 III 과정이 포함됩니다.

REFERENCES

Piaget, J. (1972). Some aspects of operations. In M. W. Piers (Ed.), Play and development: A symposium with contributions by Jean Piaget, Peter H. Wolff, and others (pp. 15-27). W. W. Norton & Company.

Salmon, S. (2012). Music humana: Thoughts on humanistic aspects of Orff-Schulwerk. Orff-Schulwerk Informationen 87

http://bidok.uibk.ac.at/library/salmon-humana.html